Academia de Burgos
Conceptualización de valores e intereses.
En la escuela de arte Art-Terra queremos fomentar en nuestros alumnos y alumnas la creatividad y la reflexión pausada sobre el desarrollo plástico.
Para ello el método de la investigación y la propia inquietud en el trabajo son nuestros principales pilares. Se trata de que el alumno experimente, juegue y se divierta creando, y sea el educador artístico el que cubra y explique las inquietudes técnicas que le vayan surgiendo en el proceso.
Jamás imponemos que nuestros alumnos dibujen o pinten un bodegón o un paisaje, una acuarela o un acrílico por ejemplo, es el alumno/a el que decide qué quiere dibujar o pintar y con qué técnica, ya que el arte es tan extenso como cada uno de nosotros, y en cada uno se expresa de una manera distinta. Para ello en la academia tienen a su disposición todo tipo de materiales. (Acuarelas, acrílicos, gouache, ceras, rotuladores acrílicos, pinturas acuarelables etc.) que pueden usar con completa libertad ya que absolutamente todos los materiales estan incluidos.
Este punto de vista sobre el arte no se trata en absoluto de “haz lo que quieras” El alumno en su obra se embarca en un proceso libre de trabajo, esfuerzo y mucho aprendizaje sobre la paciencia y la observación.
♦ Se trata de aprender a ver, (cosa que no es nada fácil).
Finalmente, esto reafirma en el alumno/a valores como la autoestima, la realización personal y confianza en uno mismo ya que los resultados siempre son mucho mejores de lo que ellos mismos se habían propuesto.
Educación en las primeras etapas.
En torno a los 4-7 años es cuando los niños y niñas empiezan a desarrollar lo que llamamos “paciencia en la observación” esto implica ser conscientes de los detalles de los objetos y las formas, los matices en los diferentes colores, y las nociones de perspectiva y puntos de vista.
Es por eso por lo que es muy importante encaminarlos para que estas habilidades natas se desarrollen lo mejor posible mediante la práctica motriz y un enfoque cognitivo.
Un ambiente de tranquilidad y relajación que condicione al alumno a tomarse su tiempo para observar, con estímulos sencillos y diferentes pautas llevarán a los niños y niñas a ser capaces de distinguir y captar las formas y colores de una forma mucho más adulta, lo que en el futuro les ayudará a no frustrarse en las actividades plásticas y creativas además de asentar unas bases de paciencia y observación en cualquier proyecto.
♦ La importancia del trazo: Para esto es de vital importancia comenzar con el tipo de trazo del alumno/a. Os habréis dado cuenta de que los niños y niñas muy pequeños hacen un tipo de línea continua y muy apretada. Esto se debe a que en el inicio de su aprendizaje motriz han adoptado esa “mania” debido a la dificultad que les suponía agarrar el lápiz correctamente. Esta manía es la que más dificulta la observación en el dibujo, ya que no despegan la vista de su dibujo desde que empiezan la línea hasta que la acaban. Cuando somos adultos, corregimos esto de manera autónoma ya que nos damos cuenta de que necesitamos ir dibujando con muchas rayitas suaves para levantar la vista y fijarnos en lo que estamos dibujando.
Es sumamente importante cambiar esto en nuestros alumnos lo antes posible para, a parte de que aprieten menos, observen muy a menudo lo que están tratando de dibujar.
En el ámbito del color esa paciencia en la creación también será clave, ya que debemos explicar al alumno/a que colorear no es simplemente rellenar huecos en blanco (como se enseña en el cole) sino que es dar volumen, y para ello lógicamente debemos explicarles qué es el volumen. Con ejercicios sencillos como enseñarles como cambia de color nuestra mano si la ponemos boca arriba o boca abajo podemos enseñarles que las cosas tienen un color u otro dependiendo donde estén y es por eso que no podemos representarlas todas igual. Colorear es, de la misma manera que el dibujo, un proceso de mucha observación que no ha de tomarse con prisas. Siempre con referencias el alumno verá, por ejemplo, que casi siempre el cuello es más oscuro que el cuerpo, ya que la cabeza le da sombra, o que por el mismo motivo los árboles o troncos siempre tienen una mitad más oscura. Y que esto es posible representarlo con infinidad de materiales como la acuarela, el acrílico, el gouache, rotuladores y muchísimos tipos de pinturas que irán descubriendo a lo largo de todo el curso.
Aprendizaje en edades medias (8-12 años)
Cuando ya hemos adaptado el tipo de trazo, en el dibujo nos enfrentamos al “problema” de las manías tempranas, y es que cuando vamos aprendiendo a dibujar, como en cualquier proceso de aprendizaje, muchas veces adoptamos por ejemplo un tipo concreto de caras, y no somos capaces de salirnos de ahí, dibujamos constantemente cualquier cara de la misma manera, porque es lo que sabemos hacer…
En esta etapa es muy importante enseñar a los alumnos la diversidad de la forma y diferentes recursos para construirla de todas las maneras que en las que se presenta. Estructuras de encaje, pautas de figuración, proporciones, ejes y esquemas anatómicos son ejemplos de estos recursos esenciales.
♦ El objetivo de esto es que sean capaces de visualizar esos esquemas o guías que marcan la simetría y la ubicación de las formas en nuestros soportes (papel, lienzo, cartón…) sin necesidad de verlos, de manera que obtengan lo que llamamos visión espacial, (el punto de vista desde la que se plasma el objeto o ser) proporción (que las partes de ese objeto o ser tengan un tamaño y forma coherente entre sí) y encuadre (que el tamaño y forma del objeto o ser sea lógico dentro del espacio donde se va a situar).
Dentro del campo del color sucede un poco lo mismo, debemos aprender a distinguir qué técnicas se adaptan mejor a nuestro estilo (manga, paisajista, retratos, bodegones…) dentro de la amplia variedad de elementos con los que disponemos (acrílico, acuarela, pastel, rotuladores, todo tipo de pinturas…) y para ello no hay mejor manera que probarlas todas.
Trataremos entonces de que el alumno/a haga al menos una obra de su elección con cada una de estas técnicas de manera que compruebe por sí mismo y bajo nuestra guía y enseñanza técnica qué ventajas y desventajas le ofrecen como artista estos materiales y cuáles se adaptan mejor a su manera de ser en el arte.
♦ El estudio del color tal y como nosotros lo enseñamos trata principalmente de comprender todos los colores que somos capaces de ver, esto lo haremos a través de la creacion cromatica sobre los 5 colores primarios (cian, magenta, amarillo, blanco y negro) que es de donde se sacan absolutamente todos los demás colores. Para ello el alumno/a durante nuestras clases solo contará con esos 5 colores y deberá aprender a mezclarlos para conseguir el resto y ser así capaces de distinguir qué proporción de cada uno contienen los colores que visualice.
El estudio de la forma. Arte avanzado.
Cuando asumimos que el alumno/a tiene ya unas nociones adecuadas de proporción, figuración y comprende espacialmente la posición y composición del objeto o ser, además de ser capaz de distinguir matices cromáticos, su rama dentro de los colores primarios y es capaz de crear cualquier color a partir de estos hablamos de educación artística avanzada.
En este caso trataremos de profundizar en primer lugar los aspectos mencionados anteriormente, trabajar anatomía avanzada y figuración compleja como escorzos (representación de una figura situada oblicua o perpendicularmente al plano del soporte sobre el que se plasma, que se logra acortando sus líneas de acuerdo con las reglas de perspectiva) musculatura, canon, movimiento, planos de posición anatómica, esquemas faciales… Con la intención de ir más allá en el ámbito de la representación siendo capaces de comprender las diferencias formales que existen dentro del mismo ser, sus intencionalidades y condiciones (emocionales, móviles, contextuales…) ya que no es lo mismo representar un rostro inmutable a representarlo de manera alegre, en la penumbra o a plena luz, observándose desde un plano picado o un plano general…
♦ El alumno debe ser capaz de comprender al detalle esos cambios en la forma y volumen que representan a unos y a otros. Entendiendo primeramente por qué la forma, el color y el volumen se presentan de la manera que lo hace.
En cuanto a las técnicas, profundizaremos aún más en los diferentes materiales con los que contamos (óleo, acuarela, conté, carboncillo, grafitos, acrílico, pastel, tintas..) aprendiendo en primer lugar su composición y manera de actuar. Ya que dependiendo el estilo con el que vayamos a trabajar y nuestras aptitudes nos convendrán unas u otras. (periodos de secado, texturas, efectos, tamaños, estilos rápidos, detallados, pulidos, bocetos…) y para ello es necesario saber su grado de pigmentación, su aglutinante, disolvente, dureza…
Como siempre aprenderemos esto desde los 5 colores primarios para conseguir todas las demás tonalidades.
